Com origens no povo Akan, os adinkras são mais do que estampas: são filosofia, história e resistência.

<p style="text-align:justify;">Se você já reparou em grades, tatuagens ou estampas com figuras que parecem simples, mas carregam uma elegância peculiar, pode ter encontrado um símbolo <i>Adinkra</i> sem saber. Esses ideogramas, criados pelo povo <i>Akan</i> — especialmente pelos <i>Ashanti</i> e <i>Gyaaman</i> de Gana e Costa do Marfim —, são um tesouro cultural africano que combina arte, sabedoria e espiritualidade.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">O termo "<i>adinkra</i>" tem raízes no idioma <i>Twi</i>, onde "<i>kra</i>" significa alma, e seu uso inicial estava associado a funerais, como uma despedida simbólica ao espírito do falecido, tanto que seu significado é "adeus". Estampados em tecidos exclusivos da realeza e líderes espirituais, os <i>adinkras</i> eram, originalmente, uma tecnologia visual sofisticada para comunicar valores, filosofias e histórias.&nbsp;</p><h2 style="text-align:justify;">Filosofia africana</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/08/08171631248001.jpg" alt="Os símbolos adinkras foram trazidos principalmente durante a escravidão. (Fonte: GettyImages/ Reprodução)"><figcaption>Os símbolos adinkras foram trazidos principalmente durante a escravidão. (Fonte: GettyImages/ Reprodução)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;">A história dos <i>adinkras</i> está profundamente conectada ao desenvolvimento cultural dos povos <i>Akan</i>. Segundo relatos, os símbolos surgiram no reino de <i>Gyaaman</i>, onde eram usados em cerâmicas e tecidos. Após um conflito militar no século 19, o conhecimento do processo de criação foi incorporado pelos <i>Ashanti</i>, que refinaram e expandiram o uso dos símbolos.&nbsp;</p><ul><li><strong>Leia mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/conheca-o-vodu-a-incompreendida-religiao-que-nasceu-na-africa" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Conheça o Vodu, a incompreendida religião que nasceu na África</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Inicialmente esculpidos em cabaças e estampados com tintas naturais, como o <i>adinkra aduru</i> feito da casca da árvore <i>badie</i>, os desenhos eram aplicados em tecidos usados em ocasiões solenes. Com o tempo, os <i>Ashanti</i> integraram elementos próprios, tornando os <i>adinkras</i> um reflexo da filosofia e da complexidade da vida africana.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Cada um desses símbolos é como uma cápsula de sabedoria, transmitindo ensinamentos por meio de provérbios, crenças ou características de elementos naturais, tendo impacto muito além da África. Durante as diásporas africanas, os <i>adinkras</i> viajaram e encontraram novos significados entre comunidades afrodescendentes, especialmente nas Américas.</p><ul><li><strong>Veja também: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/104529-conheca-a-igreja-gabola-na-qual-voce-pode-adorar-a-deus-e-ao-alcool.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Conheça a Igreja Gabola, na qual você pode adorar a Deus e ao álcool</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Aqui no Brasil, é comum encontrar um símbolo específico, o <i>Sankofa</i>, em milhares de portões e janelas, refletindo uma herança deixada pelo período da escravidão. Isso porque muitos africanos trazidos como escravizados eram habilidosos serralheiros e carpinteiros, o que permitiu que suas tradições e símbolos fossem incorporados à arte e à arquitetura local.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Contudo, mais do que uma forma de expressão artística, o <i>sankofa</i> é um grito de resistência, pois carrega um profundo significado: ele nos lembra da importância de olhar para o passado, aprender com os erros e usar esse conhecimento para construir um futuro melhor.</p><h2 style="text-align:justify;">Riqueza cultural</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/08/08171313322000.jpg" alt="É praticamente impossível que alguém que cresceu no Brasil nunca tenha visto o símbolo sankofa, que parece um coração. (Fonte: Ariely Diniz, Wikimedia Commons/ Reprodução)"><figcaption>É praticamente impossível que alguém que cresceu no Brasil nunca tenha visto o símbolo sankofa, que parece um coração. (Fonte: Ariely Diniz, Wikimedia Commons/ Reprodução)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;">Apesar de estarem presentes em diversos lugares, os <i>adinkras</i> vão além da beleza decorativa, carregando profundos significados culturais. Embora subestimados pelos colonizadores, que viam a África como dominada pela oralidade, hoje são reconhecidos como parte da rica tradição escrita e artística do continente.</p><p style="text-align:justify;">Refletir sobre o <i>adinkra</i> é também um convite a repensar a narrativa ocidental sobre a África. Longe da visão reducionista que ignora a diversidade e a complexidade cultural do continente, esses símbolos nos lembram de uma rica tradição de escrita e registro material africanos, ofuscada por séculos de colonização. Eles não são apenas símbolos; são fragmentos vivos de uma tecnologia ancestral que une passado, presente e futuro em um diálogo eterno.</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Saiba mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/125158-quando-comecou-a-escravidao-de-pessoas-negras.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Quando começou a escravidão de pessoas negras?</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Com o avanço do turismo e da globalização, os símbolos Adinkra ganharam novos usos, aparecendo em universidades e designs comerciais como marcas de prestígio e autenticidade. No entanto, é essencial preservar suas raízes e significados, já que cada símbolo nos convida a refletir sobre nossa humanidade e as histórias que nos moldam.</p><p style="text-align:justify;">Ao observar um <i>adinkra</i>, seja em um portão, uma estampa ou um objeto cotidiano, é impossível não se maravilhar com a profundidade de um símbolo que, em poucos traços, encapsula séculos de história, resistência e sabedoria. Afinal, como o <i>sankofa</i> nos ensina, é olhando para o passado que encontramos as ferramentas para construir um futuro mais consciente e conectado às nossas raízes.</p>

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Adinkra: os símbolos africanos que conectam o passado ao futuro

Mesmo as restaurações bem intencionadas podem acabar em resultados terríveis. 

<p>A conservação da arte envolve o uso de técnicas incríveis que são empregadas para preservar as obras-primas da história para a apreciação das futuras gerações. No entanto, muitas vezes, especialistas e leigos acabam obtendo péssimos resultados.</p><p>Isso pode acontecer por várias razões, como falta de conhecimento, decisões erradas ou só descuido mesmo. O fato é que, em certos momentos, essas terríveis tentativas de restauração desfiguraram obras de arte bastante famosas. O mais irônico é às vezes as restaurações ruins ficam até mais conhecidas que o original.</p><ul><li><strong>Saiba mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/114969-lembra-do-ecce-homo-nova-restauracao-desastrosa-viraliza-na-web.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Lembra do Ecce Homo? Nova restauração desastrosa viraliza na web</strong></a></li></ul><h2>1. O teto da Capela Sistina com pinturas lavadas em excesso</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/03/03194748538060.jpg" alt="(Fonte: GettyImages / Reprodução)"><figcaption>Uma limpeza apagou detalhes do teto da Capela Sistina. (Fonte: GettyImages / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Pintado por Michelangelo no início do século XVI, o teto da Capela Sistina é uma das obras mais icônicas da arte ocidental. Entretanto, um projeto de restauração executado entre 1980 e 1994 simplesmente danificou esse patrimônio artístico.</p><ul><li><strong>Leia mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/127630-obra-perdida-de-gentileschi-e-redescoberta-em-deposito-e-restaurada.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Obra perdida de Gentileschi é redescoberta em depósito e restaurada</strong></a></li></ul><p>Críticos disseram que a restauração retirou alguns dos detalhes originais de Michelangelo, como as suas sutis técnicas de sombreamento, conhecidas como <i>chiaroscuro</i>. A limpeza em excesso alterou a profundidade e a textura pretendidas por Michelangelo para a sua obra-prima. O Vaticano, por outro lado, se defendeu argumentando que o projeto foi um esforço necessário para preservar a obra.</p><h2>2. A nova pintura de <i>A Última Ceia</i></h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/03/03195139719064.jpg" alt="(Fonte: GettyImages / Reprodução)"><figcaption>Uma restauração de<i>&nbsp;A Última Ceia</i> apagou elementos da pintura de Da Vinci. (Fonte: GettyImages / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p><i>A Última Ceia,&nbsp;</i>de Leonardo da Vinci, é uma obra-prima renascentista que também sofreu danos por conta de tentativas de restauração. O caso mais famoso ocorreu no século XVIII e foi executado pelo pintor Giuseppe Mazza, que tentou "consertar" o afresco retocando a obra original.</p><ul><li><strong>Conheça mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/ninguem-sabe-mas-leonardo-da-vinci-foi-um-grande-perfumista" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Ninguém sabe, mas Leonardo Da Vinci foi um grande perfumista</strong></a></li></ul><p>Acontece que Mazza usou tintas a óleo em vez de têmpera, o que acabou obscurecendo a delicada pincelada de Da Vinci, além de acelerar a degradação do afresco. Por sorte, técnicas mais modernas conseguiram estabilizar a pintura, mas muito do que foi feito pelo pintor italiano acabou se perdendo.</p><h2>3. A restauração horrorosa da estátua de São Jorge</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/03/03195321092065.jpg" alt="(Fonte: Youtube / Reprodução)"><figcaption>O São Jorge do século XVI na Igreja de San Miguel de Estella foi transfigurado por um amador. (Fonte: Youtube / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Em 2018, foi feita uma tentativa desastrada de restauração de uma escultura de madeira de São Jorge do século XVI que fica na Igreja de San Miguel de Estella, na Espanha. A estátua, que mostra São Jorge matando o dragão, foi confiada a um professor de arte sem experiência em conservação.&nbsp;</p><p>O resultado foi escandaloso: o santo foi repintado com bochechas cor de rosa, uma expressão ensimesmada e uma paleta de cores que não se relaciona com a sua época original. O caso provocou indignação entre historiadores e especialistas em conservação artística, que lamentaram os danos irreversíveis ao artefato.</p><h2>4. A restauração cômica de <i>Ecce Homo</i></h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/03/03194927504061.jpg" alt="(Fonte: MDig / Reprodução)"><figcaption>A idosa Cecilia Giménez tornou o afresco <i>Ecce Homo</i> mundialmente famoso. (Fonte: MDig / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>E talvez o caso recente mais famoso seja esse: em 2012, um afresco de Jesus Cristo chamado<i>&nbsp;Ecce Homo</i> ficou mundialmente famoso por conta de uma tentativa amadora de restauração que foi, no mínimo, uma tragédia. A obra é de autoria do artista do século XIX Elías García Martínez, e fica na igreja do Santuário da Misericórdia em Borja, Espanha.&nbsp;</p><ul><li><a href="https://www.tecmundo.com.br/cupons/lojas/amazon">Aproveite o cupom Amazon e economize em livros sobre história da arte!</a>&nbsp;</li></ul><p>O cômico da história é que quem fez isso foi uma senhorinha bastante religiosa chamada Cecilia Giménez que, cheia de boas intenções, tentou restaurar a obra deteriorada. Mas houve até um lado bom nessa história: a restauração terrível acabou transformando a pequena cidade de Borja em um destino turístico. Até hoje, visitantes vão até lá para ver o afresco pessimamente reformado.</p>

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4 restaurações catastróficas de obras de arte

Cientistas confirmar que pinturas na Caverna Maltravieso, na Espanha, são as mais antigas do mundo, feitas há mais de 66 mil anos pelos neandertais.

<p style="text-align:justify;">A Caverna Maltravieso, em Cáceres, Espanha, guarda um legado impressionante: <strong>71 silhuetas de mãos feitas há mais de 66 mil anos</strong>. Estudos recentes revelaram que essas pinturas não são obra de humanos modernos, mas sim de <strong>neandertais</strong>, desafiando o conceito de que nossa espécie é a única capaz de expressar criatividade. Feitas ao soprar pigmentos ao redor das mãos, as marcas resistiram ao tempo, tornando-se um marco crucial para reescrever a história da evolução artística.</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Leia mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/crianca-encontra-machado-prehistorico-usado-por-neandertais" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Criança encontra machado pré-histórico usado por neandertais</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Pesquisadores da Universidade de Southampton usaram datação urânio-tório para analisar as crostas de carbonato que se formaram sobre as pinturas, determinando que as obras são pelo menos <strong>20 mil anos mais velhas que a chegada dos humanos modernos à Europa</strong>. Essa descoberta evidencia que os neandertais, longe de serem apenas “brutos”, eram artistas pioneiros, capazes de deixar mensagens simbólicas.</p><h2 style="text-align:justify;">A história por trás da Caverna Maltravieso</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/16/16174026759199.jpg" alt=" A entrada cercada da Caverna Maltravieso, no oeste da Espanha. (Fonte: Mario Modest/Wikimedia Commons/Reprodução)"><figcaption>A entrada cercada da Caverna Maltravieso, no oeste da Espanha. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;">A descoberta da caverna em 1951 já intrigava os arqueólogos, mas foi apenas décadas depois, com avanços tecnológicos, que sua verdadeira importância emergiu. A técnica de datação usada revelou que essas pinturas datam do <strong>Paleolítico Médio</strong>, um período entre <strong>300 mil e 50 mil anos atrás</strong>, quando os neandertais dominavam a Europa.</p><p style="text-align:justify;">Os artistas antigos utilizaram pigmentos soprados em torno das mãos, criando <strong>silhuetas que carregam não apenas criatividade, mas também simbolismo</strong>. “Essas pinturas são a prova mais antiga de arte rupestre, anteriores à chegada dos humanos modernos”, afirmou o arqueólogo Chris Standish. Sua equipe acredita que as obras refletem um senso de identidade e conexão social entre os neandertais.</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Veja também:&nbsp;</strong><a href="http://Humanos%20e%20neandertais%20se%20misturaram%20geneticamente,%20mas%20onde%20isso%20aconteceu?" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Humanos e neandertais se misturaram geneticamente, mas onde isso aconteceu?</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Essas descobertas mudam o entendimento sobre a cognição dos neandertais, sugerindo que eles tinham habilidades intelectuais e emocionais semelhantes às nossas, incluindo a capacidade de deixar um legado artístico.</p><h2 style="text-align:justify;">Neandertais: mais do que sobreviventes</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/16/16190413153214.jpg" alt="Artistas incompreendidos? Estudo mostra que neandertais tinham técnicas sofisticadas para a época. (Fonte: Getty Images)"><figcaption>Artistas incompreendidos? Estudo mostra que neandertais tinham técnicas sofisticadas para a época. (Fonte: Getty Images)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;">Por muito tempo, os neandertais foram vistos como inferiores em relação aos Homo sapiens, mas a Caverna Maltravieso prova o contrário. Suas pinturas mostram que e<strong>ssa espécie tinha não apenas criatividade, mas também intenção simbólica</strong>, algo antes associado apenas à nossa linhagem.</p><p style="text-align:justify;">As silhuetas de mãos, aparentemente simples, revelam uma história rica e complexa. Estudos indicam que <strong>os neandertais usavam pigmentos e técnicas elaboradas</strong>, reforçando que eram mais sofisticados do que se acreditava. Eles deixaram marcas que transcendem milênios, desafiando a ideia de que arte e cultura pertencem apenas aos Homo sapiens.</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Saiba mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/fabrica-de-piche-neandertal-de-65-mil-anos-e-encontrada-em-gibraltar" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>"Fábrica de piche" neandertal de 65 mil anos é encontrada em Gibraltar</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;"><strong>Essas obras são muito mais do que desenhos; são evidências de que a criatividade é universal</strong>. A Caverna Maltravieso não é apenas um local arqueológico, mas também um testemunho duradouro de que os neandertais, assim como nós, buscavam expressar e preservar sua existência.</p>

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Desenhos de mãos em caverna espanhola são as mais antigas do mundo

Uma importante escultura em mármore do deus grego Hermes foi encontrada por acaso ao sul da Acrópole de Atenas.

<p>Enquanto trabalhavam na construção da expansão da rede de gás natural em Atenas, na Grécia, trabalhadores da concessionária fizeram uma importante descoberta arqueológica por acaso: uma importante estátua grega antiga. Perto do antigo teatro Odeão de Herodes Ático, os instaladores de gás encontraram <strong>uma representação do deus grego Hermes no estilo Ludovisi</strong>.</p><p>Segundo um comunicado do Ministério da Cultura, a estátua estava em "muito bom estado", e foi encontrada "dentro de uma estrutura construída com tijolos retangulares" entre "vilas construídas por burgueses ricos naquela época".</p><ul><li><strong>Descubra: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/por-que-tantas-estatuas-gregas-romanas-e-egipcias-nao-tem-nariz" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Por que tantas estátuas gregas, romanas e egípcias não têm nariz?</strong></a></li></ul><p>Estátuas Hermes Ludovisi fazem parte de um importante conjunto de esculturas de Hermes feitas durante a chamada antiguidade clássica. Essas representações são famosas por sua qualidade artística e importância histórica, representando o deus da velocidade e do comércio em diversas poses e contextos mitológicos.</p><h2>O local onde a estátua foi descoberta</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;text-align:center;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/15/15112518299007.jpg" alt="O Odeão de Herodes Ático é usado até hoje. (Fonte: Getty Images/Reprodução)"><figcaption>O Odeão de Herodes Ático é usado até hoje. (Fonte: Getty Images/Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O lado sul da Acrópole de Atenas, onde a estátua foi descoberta, já foi, segundo o portal<i>&nbsp;Greek Reporter</i>, um distrito de residências luxuosas e vilas durante a era romana, entre os séculos 1 d.C. e 5 d.C. Portanto, é bastante provável que essa suposta estátua de Hermes Ludovisi tenha sido parte do acervo de uma dessas famílias.&nbsp;</p><p>No comunicado do Ministério da Cultura da Grécia, o local é assim descrito: "Suas residências eram ricamente decoradas com pisos de mosaico e esculturas, que eram obras de famosas oficinas neoáticas [estilo artístico helenístico entre 100 a.C. e 100 d.C.]".&nbsp;</p><p>Concluída a documentação da descoberta da escultura, os especialistas do Eforato de Antiguidades, agência que administra sítios arqueológicos e antiguidades na Grécia, irão transportá-la para um laboratório de conservação da capital.&nbsp;</p><h2>Como é uma estátua de Hermes Ludovisi?</h2><p>&nbsp;</p><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/15/15142353988000.jpg" alt="x"><figcaption>Hermes Ludovisi retrata o mensageiro dos deuses do Olimpo e deus do comércio. (Fonte: Getty Images/Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Um autêntico Hermes Ludovisi é uma estátua de mármore do icônico deus mensageiro grego, conhecido como Psicopompo, ou seja, “guia de almas”. Ele conduzia as almas (<i>psychai</i> em grego) através do caminho (<i>pompos</i>), até o mundo subterrâneo governado por Hades. A estátua é uma cópia do original grego de bronze, provavelmente de autoria do escultor Fídias.</p><p>Nessa representação acima, o deus é apresentado como um jovem sem barba, vestindo o petasos, um chapéu de viajante que reforça seu papel como mensageiro e viajante divino. Na estátua mostra, Hermes aparece com uma expressão contemplativa e sombria, com o braço direito levantado segurando uma bolsa de moedas.</p><ul><li><strong>Saiba também: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/esculturas/99657-por-que-as-estatuas-gregas-tinham-penis-tao-pequenininhos.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Por que as estátuas gregas tinham pênis tão pequenininhos?</strong></a></li></ul><p>O nome Ludovisi é uma associação com uma tradicional família de nobres romanos. <strong>O cardeal Ludovico Ludovisi adquiriu a famosa estátua original no século 17</strong>, e ela se tornou uma peça notável em sua famosa coleção. Atualmente, o objeto artístico se encontra em exposição no Palazzo Altemps em Roma, na Itália.</p>

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Famosa estátua de Hermes é achada em expansão da rede de gás de Atenas

Descubra a história por trás das fascinantes e gigantescas esculturas de pedra deixadas pelos olmecas.

<p>Imagine encontrar uma cabeça de pedra gigante, com expressões marcantes e um "capacete" estiloso, no meio de uma floresta mexicana. Foi exatamente isso que aconteceu em 1862, quando o explorador José María Melgar y Serrano desenterrou a primeira das famosas cabeças olmecas em Tres Zapotes.</p><p>Desde então, 17 cabeças foram encontradas, e vêm intrigando arqueólogos e historiadores sobre sua origem e por que foram esculpidas com tanta dedicação.</p><h2>Arte, homenagem ou mistério?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/29/29232941766002.jpg" alt="As cabeças olmecas são gigantescas. (Fonte: Getty Images/Reprodução)"><figcaption>As cabeças olmecas são gigantescas. (Fonte: Getty Images/Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>As cabeças olmecas são pura grandiosidade. Cada uma pesa cerca de oito toneladas (algumas chegam a 50 toneladas!) e foi esculpida em uma única pedra de basalto. E não pense que as pedras estavam logo ali: elas foram transportadas por mais de 60 quilômetros! Isso mesmo, sem caminhões ou guindastes, apenas com força humana e, talvez, engenhocas que desconhecemos.</p><ul><li><strong>Leia também:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/misterios/106557-15-curiosidades-sobre-os-olmecas-a-primeira-grande-cultura-da-mesoamerica.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>15 curiosidades sobre os olmecas, a primeira grande cultura da Mesoamérica</strong></a></li></ul><p>Elas foram encontradas em várias cidades olmecas, como San Lorenzo, La Venta e Tres Zapotes, e cada uma apresenta características faciais únicas. É como se os escultores quisessem deixar claro que não eram apenas obras genéricas, mas sim homenagens a figuras importantes, talvez líderes ou guerreiros.</p><p>Um detalhe curioso é que muitos historiadores acreditam que os capacetes que aparecem nas esculturas possam estar relacionados ao jogo de bola mesoamericano, algo como o "futebol ancestral" da região.</p><p>Outro mistério intrigante é o fato de muitas cabeças terem sido enterradas intencionalmente. Seria isso um ritual religioso, uma forma de marcar mudanças de poder ou algo diferente? Ninguém sabe ao certo, mas é inegável que os olmecas tinham uma ligação especial com essas gigantes de pedra.</p><ul><li><strong>Veja:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/historia-e-geografia/42384-voce-sabe-a-diferenca-entre-astecas-maias-incas-e-olmecas-.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Você sabe a diferença entre astecas, maias, incas e olmecas?</strong></a></li></ul><h2>Muito além das cabeças gigantes</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/29/29234147929003.jpg" alt="Máscara olmeca. (Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)"><figcaption>Máscara olmeca. (Fonte: Wikimedia Commons/Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Os olmecas não eram só talentosos escultores; eles foram pioneiros em muitas áreas. Sua civilização, que surgiu há mais de 3 mil anos, floresceu em cidades como San Lorenzo e La Venta, no que hoje são os estados de Veracruz e Tabasco. Eles eram craques em engenharia, agricultura e astronomia, e ainda encontravam tempo para criar obras de arte incríveis.</p><p>San Lorenzo foi um dos principais centros olmecas e abrigou 10 das 17 cabeças colossais descobertas até hoje. Quando essa cidade começou a declinar, por volta de 900 a.C., os olmecas se mudaram para La Venta, onde continuaram a criar esculturas impressionantes e até construíram uma pirâmide enorme.</p><p>Infelizmente, por volta de 400 a.C., La Venta também foi abandonada, talvez devido a mudanças climáticas ou conflitos, encerrando a era de ouro dessa civilização.</p><ul><li><strong>Conheça também:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/128608-6-civilizacoes-antigas-que-cairam-no-esquecimento.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>6 civilizações antigas que caíram no esquecimento</strong></a></li></ul><p>Mas os olmecas não desapareceram sem deixar sua marca. Sua cultura influenciou diretamente os maias, astecas e outras civilizações que vieram depois, seja no estilo artístico, seja nas práticas cerimoniais, ou até no desenvolvimento de sistemas de escrita.</p>

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As enigmáticas cabeças olmecas, esculturas mesoamericanas de mais de 2,5 mil anos

Uma máscara asteca de turquesa, ligada ao deus do fogo e à renovação, resiste como testemunho da espiritualidade de uma civilização que desafiou o tempo.

<p style="text-align:justify;">Uma peça de madeira de cedro, adornada com centenas de fragmentos de turquesa e detalhes em madrepérola, ouro e conchas, carrega séculos de história, mistério e poder. Assim é a Máscara de <i>Xiuhtecuhtli</i>, uma obra-prima da arte asteca, que atravessou o tempo para se tornar um dos objetos mais fascinantes do Museu Britânico, em Londres.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Criada entre os anos 1400 e 1521, ela foi provavelmente levada da Mesoamérica para a Europa por Hernán Cortés, como parte dos tesouros tomados do Império Asteca e oferecidos ao rei Carlos V.</p><h2 style="text-align:justify;">Ritual de renovação</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/03/03105450735079.png" alt="Os olhos da máscara são feitos em madrepérola. (Fonte: The British Museum/ Divulgação)"><figcaption>Os olhos da máscara são feitos em madrepérola. (Fonte: The British Museum/ Divulgação)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;"><i>Xiuhtecuhtli</i>, cujo nome significa "senhor turquesa" na língua náuatle, era o deus do fogo e da renovação no panteão asteca. Esse simbolismo fica evidente na máscara, que incorpora elementos associados à transformação. As tesselas de turquesa mais escuras criam um desenho de borboleta, um poderoso emblema de mudança e continuidade para os astecas.&nbsp;</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Leia mais: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/quem-e-quetzalcoatl-o-deus-serpente-com-penas-do-povo-asteca" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Quem é Quetzalcóatl, o deus serpente com penas do povo asteca</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Mas o propósito da máscara vai além da estética: acredita-se que ela era usada em cerimônias religiosas grandiosas, como a <i>Xiuhtlalpilli</i>, ou Cerimônia do Novo Fogo, realizada a cada 52 anos. Esse ritual marcava a renovação do ciclo asteca, quando o fogo sagrado era extinto e reacendido no peito de uma vítima sacrificial, garantindo a continuidade do cosmos.</p><p style="text-align:justify;">A máscara, que mede cerca de 16,8 centímetros de altura, foi projetada com intrincada atenção aos detalhes. A madeira era curvada para reproduzir os contornos faciais, e os mosaicos de turquesa eram habilmente colados com resina de pinho, conferindo profundidade e realismo ao objeto.&nbsp;</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Veja também: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/127441-xipe-totec-o-deus-mesoamericano-do-esfolamento-humano.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Xipe Totec: o deus mesoamericano do esfolamento humano</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">Os olhos foram feitos de madrepérola, com bordas originalmente douradas, enquanto os dentes, confeccionados de concha, destacam-se pelo brilho. No interior, a máscara é pintada com cinábrio, um pigmento vermelho-tijolo que contém mercúrio, talvez representando o elemento vital do fogo.</p><h2 style="text-align:justify;">Outra teoria?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/12/03/03110235354089.png" alt="A máscara está em exposição no Museu Britânico, em Londres. (Fonte: The British Museum/ Divulgação)"><figcaption>A máscara está em exposição no Museu Britânico, em Londres. (Fonte: The British Museum/ Divulgação)</figcaption></figure></figure><p style="text-align:justify;">Embora geralmente associada a <i>Xiuhtecuhtli</i>, a identidade da máscara é alvo de debates. Alguns estudiosos sugerem que o mosaico elevado pode representar o deus <i>Nanahuatzin</i>, que, segundo a mitologia asteca, sacrificou-se no fogo para se tornar <i>Tonatiuh</i>, o sol da era atual. Esse entrelaçamento de simbolismos reflete a complexidade da cultura asteca, onde deuses e rituais se mesclam em narrativas de transformação e sacrifício.</p><ul><li style="text-align:justify;"><strong>Saiba mais: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/quase-500-anos-depois-cientistas-confirmam-o-que-matou-os-astecas" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Quase 500 anos depois, cientistas confirmam o que matou os astecas</strong></a></li></ul><p style="text-align:justify;">O fato é que a máscara em si é um testemunho do talento técnico e artístico dos astecas. O uso de diferentes tons de azul para destacar bochechas, nariz e queixo, além de uma borboleta estilizada formada pelas tesselas mais escuras, conecta o objeto ao simbolismo da transformação e da renovação, temas centrais da mitologia asteca.</p><p style="text-align:justify;">Hoje, a Máscara de <i>Xiuhtecuhtli</i> é um testemunho da rica herança asteca e das tensões culturais desencadeadas pela conquista espanhola. Seu brilho turquesa ainda evoca a chama do "novo fogo", um lembrete da força vital que os astecas buscavam perpetuar.&nbsp;</p><p style="text-align:justify;">Embora não possamos mais ouvir as orações entoadas ou sentir o calor do fogo sagrado que ela presenciou, a máscara continua a nos contar histórias, oferecendo um vislumbre da espiritualidade e do esplendor artístico de uma civilização que, mesmo em ruínas, permanece inesquecível.</p>

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Rosto de Xiuhtecuhtli: o tesouro asteca que sobreviveu aos séculos

Segundo historiadores, representação de seio feminino feito no teto da Capela Sistina poderia ser um indicador de que o artista estaria representando um câncer de mama. 

<p>Por séculos, visitantes fiéis e curiosos têm enchido a Capela Sistina impressionados com a obra de Michelangelo Buonarroti que reimagina cenas do livro da Bíblia Gênesis. Entre os 300 personagens representados no teto, poucos perceberam que uma das figuras pode carregar um segredo sombrio: o destino de morrer em breve.</p><ul><li><strong>Leia mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/saude-bem-estar/128344-vacina-contra-cancer-de-mama-triplo-negativo-apresenta-bons-resultados.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Vacina contra câncer de mama triplo negativo apresenta bons resultados</strong></a></li></ul><p>Uma investigação detalhada revelou que os traços únicos do seio esquerdo de uma mulher na pintura sugerem uma doença fatal, e não qualquer doença – <strong>mas um caso avançado de câncer de mama.</strong> Um grupo internacional de especialistas concluiu que a forma como Michelangelo retratou o corpo dessa mulher, localizada na cena do dilúvio bíblico, indica conhecimento médico. A representação da enfermidade teria sido uma escolha intencional do artista.</p><h2>A intenção artística de Michelangelo</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/09/09104614678004.jpg" alt="Imagem aproximada da pintura de Michelangelo mostra que artista teria tentado criar características do câncer de mama. (Fonte: Wikimedia Commons)"><figcaption>Imagem aproximada da pintura de Michelangelo mostra que artista teria tentado criar características do câncer de mama. (Fonte: Wikimedia Commons)</figcaption></figure></figure><p>Aos 30 e poucos anos, Michelangelo já era um artista experiente quando aceitou o trabalho imenso de pintar a Capela Sistina, mesmo com certa resistência. Conhecido por seu domínio da anatomia humana e sua atenção aos detalhes, é pouco provável que um artista com seu talento e precisão cometesse erros ao retratar a figura humana.</p><ul><li><strong>Veja também:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/128451-por-que-leonardo-da-vinci-e-michelangelo-eram-rivais.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Por que Leonardo Da Vinci e Michelangelo eram rivais?</strong></a></li></ul><p>Por isso, o que alguns considerariam um “erro” em uma de suas personagens, os especialistas agora interpretam como uma deformidade proposital no seio da mulher. <strong>A análise médica focou em sinais específicos na pintura, incluindo a retração na pele ao redor da aréola e leves inchaços próximos da axila, características típicas do câncer de mama.&nbsp;</strong></p><p>Em uma foto médica, esses sinais seriam considerados evidências claras da doença. O oncologista que estudou o detalhe disse que a pintura sugere uma predisposição genética ao câncer, comum na Europa desde épocas remotas. Para os especialistas, esses traços demonstram que a escolha do artista foi pensada para simbolizar a mortalidade e a punição divina.</p><h2>Representação da morte</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/09/09104753948006.jpg" alt="Riqueza de detalhes pode indicar que Michelangelo teria certo conhecimento médico. (Fonte: Getty Images)"><figcaption>Riqueza de detalhes pode indicar que Michelangelo teria certo conhecimento médico. (Fonte: Getty Images)</figcaption></figure></figure><p>A intenção de Michelangelo em retratar o câncer em sua obra foi, segundo os especialistas, uma forma de explorar a efemeridade da vida. O grupo de pesquisadores propôs que o simbolismo do câncer no teto da Capela Sistina carrega uma mensagem profunda sobre o pecado e a mortalidade. Como disse o grupo: “A representação de um provável câncer de mama está ligada ao conceito de impermanência da vida e tem o significado de punição.”</p><ul><li><strong>Relacionado: </strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/121970-por-que-nao-se-pode-fotografar-na-capela-sistina.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Por que não se pode fotografar na Capela Sistina?</strong></a></li></ul><p>Essa não foi a única vez que Michelangelo explorou a imagem da doença. Anos depois, ele esculpiu uma representação feminina para o túmulo de Giuliano de' Medici, na qual o seio da figura exibe características semelhantes. Esse detalhe, aliás, chamou a atenção de oncologistas em 2000, <strong>levantando questões sobre a familiaridade do artista com doenças graves e a intenção de usá-las como metáforas em suas obras.</strong></p><p>Assim, ao contrário do que muitos pensam, Michelangelo não usou um modelo com a doença para pintar a figura da mulher na Capela Sistina. Como destacam os pesquisadores: “Michelangelo não recorreu a modelos vivos (masculinos ou femininos) para retratar o Gênesis.” Em vez disso, ele criou uma composição que mescla conceitos bíblicos e idealizações anatômicas. Esse simbolismo oculto, após séculos despercebido, é mais uma prova de que a genialidade de Michelangelo.</p>

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Detalhe escondido em obra de Michelangelo parece representar doença mortal

O artista holandês Henk Hofstra trouxe seus ovos gigantes a Curitiba para inserir a população na questão ambiental. 

<p>De uma hora para outra, os curitibanos que passavam pela Praça do Paço tomaram um susto: pelo chão, ovos fritos gigantes atrapalhavam sua caminhada. A impressionantes "fritada" é na verdade uma instalação artística surpreendente e provocadora do artista holandês Henk Hofstra, que faz parte da Virada Sustentável.</p><p>Hofstra, que chegou a pintar uma rua inteira de azul brilhante na cidade de Drachten, na Holanda, em 2007, traz a Curitiba “Eggcident”, seu trabalho mais recente, onde interfere na cena urbana de forma surreal e bem-humorada, convidando o público a interagir com o cenário de maneira lúdica e divertida.&nbsp;</p><ul><li><strong>Saiba mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/107145-7-intervencoes-urbanas-que-sao-a-maior-gracinha.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">7 intervenções urbanas que são a maior gracinha</a></li></ul><p>Como a maioria de suas criações, os ovos gigante com cascas quebradas trazem uma mensagem de apelo social, que aqui é <strong>um alerta sobre os riscos do aumento das temperaturas globais</strong>. A ideia é que a vida começa com um ovo, e o descaso por ela pode resultar em um fim catastrófico.</p><h2>Os ovos de Hofstra: nós é que estaremos fritos?</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;text-align:center;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/13/13222628720002.jpg" alt="x. (Fonte: Virada Sustentável/Divulgação)"><figcaption>O mundo terminará como um grande ovo quebrado? (Fonte: Virada Sustentável/Divulgação)</figcaption></figure></figure><p>Seguindo a linha de Banksy, Christo e Jeanne-Claude, e dos nossos Gêmeos e Eduardo Kobra, a arte de Hofstra busca transformar espaços comunitários em cenários de reflexão. No caso da rua pintada de azul, ele fazia alusão a um rio desaparecido.&nbsp;</p><p>Com "Eggcident" em sua praça mais tradicional, os curitibanos estarão, literalmente, "pisando em ovos", ao se deparar com questões como o aquecimento global e as diversas ações que podemos fazer para reverter essa ameaça, não só no nível coletivo, como também no campo das nossas escolhas diárias.&nbsp;</p><p>Em seu manifesto, o artista é taxativo: "Quando não tivermos respeito pela vida, <strong>o mundo terminará como um grande ovo quebrado, estalado e pronto para ser frito</strong>”. A obra ficará exposta durante toda a programação da Virada Sustentável, até o dia 17 de novembro.</p><h2>A Virada na cidade mais sustentável da América do Sul</h2><blockquote class="instagram-media" style="background-color:#FFF;border-radius:3px;border-width:0;box-shadow:0 0 1px 0 rgba(0,0,0,0.5),0 1px 10px 0 rgba(0,0,0,0.15);margin:1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:calc(100% - 2px);" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/DB_cfBox9c-/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14"><div style="padding:16px;"><div style="align-items:center;display:flex;flex-direction:row;"><div style="background-color:#F4F4F4;border-radius:50%;flex-grow:0;height:40px;margin-right:14px;width:40px;">&nbsp;</div><div style="display:flex;flex-direction:column;flex-grow:1;justify-content:center;"><div style="background-color:#F4F4F4;border-radius:4px;flex-grow:0;height:14px;margin-bottom:6px;width:100px;">&nbsp;</div><div style="background-color:#F4F4F4;border-radius:4px;flex-grow:0;height:14px;width:60px;">&nbsp;</div></div></div><div style="padding:19% 0;">&nbsp;</div><div style="display:block;height:50px;margin:0 auto 12px;width:50px;">&nbsp;</div><div style="padding-top:8px;"><div style="color:#3897f0;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:550;line-height:18px;"><a style="background-color:#FFFFFF;line-height:0;padding:0;text-align:center;text-decoration:none;width:100%;" href="https://www.instagram.com/reel/DB_cfBox9c-/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" target="_blank">View this post on Instagram</a></div></div><div style="padding:12.5% 0;">&nbsp;</div><div style="align-items:center;display:flex;flex-direction:row;margin-bottom:14px;"><div><div style="background-color:#F4F4F4;border-radius:50%;height:12.5px;transform:translateX(0px) translateY(7px);width:12.5px;">&nbsp;</div><div style="background-color:#F4F4F4;flex-grow:0;height:12.5px;margin-left:2px;margin-right:14px;transform:rotate(-45deg) translateX(3px) translateY(1px);width:12.5px;">&nbsp;</div><div style="background-color:#F4F4F4;border-radius:50%;height:12.5px;transform:translateX(9px) translateY(-18px);width:12.5px;">&nbsp;</div></div><div style="margin-left:8px;"><div style="background-color:#F4F4F4;border-radius:50%;flex-grow:0;height:20px;width:20px;">&nbsp;</div><div style="border-bottom:2px solid transparent;border-left:6px solid #f4f4f4;border-top:2px solid transparent;height:0;transform:translateX(16px) translateY(-4px) rotate(30deg);width:0;">&nbsp;</div></div><div style="margin-left:auto;"><div style="border-right:8px solid transparent;border-top:8px solid #F4F4F4;transform:translateY(16px);width:0px;">&nbsp;</div><div style="background-color:#F4F4F4;flex-grow:0;height:12px;transform:translateY(-4px);width:16px;">&nbsp;</div><div style="border-left:8px solid transparent;border-top:8px solid #F4F4F4;height:0;transform:translateY(-4px) translateX(8px);width:0;">&nbsp;</div></div></div><div style="display:flex;flex-direction:column;flex-grow:1;justify-content:center;margin-bottom:24px;"><div style="background-color:rgb(244, 244, 244);border-radius:4px;flex-grow:0;height:14px;margin-bottom:6px;text-align:center;width:224px;">&nbsp;</div><div style="background-color:rgb(244, 244, 244);border-radius:4px;flex-grow:0;height:14px;text-align:center;width:144px;">&nbsp;</div></div><p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center;text-overflow:ellipsis;white-space:nowrap;"><a style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none;" href="https://www.instagram.com/reel/DB_cfBox9c-/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" target="_blank">A post shared by Virada Sustentável Curitiba (@viradasustentavelcuritiba)</a></p></div></blockquote><p>De 14 a 17 de novembro, Curitiba sediará, pela primeira vez, a Virada Sustentável, evento que é realizado anualmente em diversas cidades brasileiras. A iniciativa tem como objetivo promover a sustentabilidade, e conscientizar a população sobre a importância das práticas de conservação ambiental.</p><p>Durante esses quatro dias, a Cidade Sorriso será palco de mais de 100 atrações gratuitas que ocuparão diversos espaços da cidade, com uma programação multicultural dividida em três eixos principais: cultura, ação e conhecimento.</p><ul><li><strong>Leia também:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/mais-de-30-das-arvores-do-mundo-estao-em-risco-de-desaparecer-como-isso-afeta-todos-nos" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Mais de 30% das árvores do mundo estão em risco de desaparecer! Como isso afeta todos nós?</a></li></ul><p>De acordo com o site do evento, além das intervenções visuais, serão realizadas performances, apresentações circenses, peças teatrais, oficinas e palestras, <strong>culminando com o show de Mariana Aydar,</strong> ganhadora do Grammy Latino, que se apresentará ao lado do sanfoneiro Mestrinho, dia 16 de novembro, no Palco Virada (estacionamento do Tribunal de Contas do Paraná). &nbsp;</p>

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Por que Curitiba está com ovos fritos gigantes espalhados pela cidade?

Aos 85 anos, Barbara Chase-Riboud está finalmente tendo o reconhecimento que merece. 

<p>A artista visual, escritora e escultora americana Barbara Chase-Riboud pode não ser o nome mais popular do mundo das artes. Mas a <strong>sua contribuição para a área da cultura</strong> merece muito mais destaque do que já angariou em sua longeva carreira.</p><p>Nascida na Filadélfia, nos Estados Unidos, Barbara Chase-Riboud escolheu Paris ainda nos 1960 como seu lar e seu "santuário" onde pode construir a sua obra. Hoje ela tem 85 anos e tem obras expostas em locais como o Museu do Louvre, o Museu d'Orsay, Pompidou, Palais de Tokyo, Palais de la Porte Dorée, Philharmonie de Paris, e em vários espaços importantes.</p><h2>A história de Barbara Chase-Riboud&nbsp;</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/06/06195059812352.jpg" alt="(Fonte: Pickens Museum / Reprodução)"><figcaption>Barbara Chase-Riboud nos anos 1960. (Fonte: Pickens Museum / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Crescida na Filadélfia, Barbara Chase-Riboud recebeu em 1956 o título de Bacharel em Belas Artes pela Escola de Artes e Arquitetura da Universidade de Temple. Logo após a formatura, ela recebeu uma bolsa para estudar na École des Beaux-Arts, em Paris.</p><ul><li><strong>Leia mais:&nbsp;</strong><a href="http://v" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>4 obras de arquitetura que chamam a atenção do mundo</strong></a></li></ul><p>Na capital francesa, Barbara encontrou um refúgio da segregação e do racismo que sofria em seu país natal. Mas, além disso, ela conheceu toda uma comunidade de artistas de vanguarda que a acolheu e possibilitou que se expressasse enquanto uma mulher negra.</p><p>Era uma época em que os artistas afro-americanos lutavam para conquistar um espaço para o seu trabalho que fosse além do rótulo da "arte negra". Paris então se tornou o local ideal para sua arte cheia de camadas se expressasse. Foi lá que Chase-Riboud passou a ser reconhecida como uma artista política, sem medo de confrontar os cantos mais sombrios da história.</p><p>Um exemplo disso é a sua série de esculturas de bronze dedicada a Malcolm X, que foi iniciada no final dos anos 1960. Sua obra se tornou conhecida por estimular reflexões sobre questões como raça, memória e trauma dentro do mundo das artes.</p><ul><li><strong>Conheça mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/a-fantastica-historia-da-venus-de-milo-uma-das-mais-famosas-estatuas-da-historia" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>A fantástica história da Vênus de Milo, uma das mais famosas estátuas do mundo</strong></a></li></ul><p>Foi em Paris que ela também desenvolveu e aperfeiçoou sua famosa técnica de escultura, que consiste na fusão da solidez do bronze com a suavidade do tecido. Suas peças artísticas são conhecidas por suas dobras sinuosas e presença marcante.</p><h2>A obra artística de Chase-Riboud</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/11/06/06195816521355.jpeg" alt="(Fonte: Aware / Reprodução)"><figcaption>A série de esculturas dedicadas a Malcolm X está entre os trabalhos mais famosos de Chase-Riboud. (Fonte: Aware / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Mas a carreira de Chase-Riboud foi marcada também pela sua pluralidade. Além de exímia escultora, ela produziu literatura. Seu primeiro romance,<i>&nbsp;Sally Hemings</i>, que foi lançado em 1979, explora a vida da amante escravizada de Thomas Jefferson, e foi aclamado pela crítica especializada.</p><ul><li><strong>Saiba mais:&nbsp;</strong><a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/garota-dancarina-escultura-prehistorica-de-105-cm-e-um-icone-da-arte" rel="noopener noreferrer" target="_blank"><strong>Escultura pré-histórica de 10,5 cm é um ícone da arte</strong></a></li></ul><p>Mais recentemente, com o avançar da vida, Barbara Chase-Riboud começou a receber o reconhecimento que merece, sendo convidada para grandes exposições. Uma delas foi a sua retrospectiva realizada em 2023 nas Serpentine Galleries, em Londres. Sua técnica arrojada, que borra os limites entre pintura, escultura e arte têxtil, passou a ser cada vez mais celebrada.</p><p>E claro, a marca do seu trabalho é a sua discussão levantada sobre as intersecções entre raça e gênero com o mundo da arte. Sendo assim, a obra de Barbara Chase-Riboud tem aberto portas para tantos outros artistas que debatem esses temas, mas não recebiam até então a legitimidade dentro da sua área. O que certamente leva à reflexão: como seria hoje o mundo da arte se ele tivesse abraçado mais artistas como Chase-Riboud?</p>

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Barbara Chase-Riboud: a escultora que trouxe questões de raça para a arte

Muito comuns na era medieval, os bestiários guardavam descrições de animais reais e fantásticos.

<p>Durante a época medieval, os <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/5-criaturas-medievais-bizarras-encontradas-em-bestiarios" rel="noopener noreferrer" target="_blank">bestiários</a> eram um tipo de literatura bastante comum. Elaborados por monges católicos, esses livros manuscritos reuniam informações sobre animais reais e fantásticos, descrevendo vários aspectos sobre eles, como seu habitat natural e sua dieta.</p><p>Eles costumavam carregar mensagens morais na sua descrição. Vale lembrar que, na Idade Média, os animais eram fundamentais na vida cotidiana das pessoas. Por isso, escritores e artistas frequentemente usavam os animais para se conectar melhor com o seu público.</p><h2>1. Elefante</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/09/22/22205643177003.jpg" alt="(Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)"><figcaption>O bestiário Der Naturen Bloeme apresenta aos leitores a imagem de um elefante bravo. (Fonte: Wikimedia Commons / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O Der Naturen Bloeme foi um bestiário produzido por Utrecht ou Flandres em algum momento do século 15. São 13 livros que funcionavam como uma espécie de <a href="https://www.megacurioso.com.br/educacao/108832-conheca-a-historia-da-wikipedia-a-enciclopedia-livre.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">enciclopédia</a> para quem quisesse buscar saber mais sobre os animais.</p><p>Nesta imagem, vemos um elefante com uma tromba em forma de funil em uma paisagem de árvores semelhantes a cogumelos. Seu semblante parece bravo.</p><h2>2. Hipopótamo</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/09/25/25185114193009.jpg" alt="(Fonte: Bestiary / Reprodução)"><figcaption>O hipopótamo era tido como um animal noturno que vivia no rio. (Fonte: Bestiary / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>A imagem de um hipopótamo, derivada do animal <i>Equus fluminis</i> (que quer dizer "cavalo de rio"), aponta a um bicho estranho de grandes dentes pontudos. No bestiário, lê-se que ele vivia durante o dia no fio Nilo e saía para a terra à noite para pastar.</p><h2>3. Alforaz&nbsp;</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/09/25/25185849853010.jpg" alt="(Fonte: Bestiary / Reprodução)"><figcaption>O alforaz nascia da sujeira de um lago. (Fonte: Bestiary / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O alforaz é uma espécie de peixe que não nasce exatamente, mas sim é gerado de forma espontânea a partir da lama podre quando o lago em que vive não tem água. Ele inicia sua vida como um verme, mas cresce e vai se tornando peixe à medida que a água sobe.</p><h2>4. Rouxinol</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/09/25/25190507506011.jpg" alt="x"><figcaption>O rouxinol canta tanto que chega quase a morrer. (Fonte: Bestiary / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>O <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/107344-reunimos-9-curiosidades-aleatorias-e-fascinantes-sobre-o-japao-confira.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">rouxinol</a> é um pássaro que adora cantar, e faz isso frequentemente para aliviar o tédio enquanto permanece sentado sobre o seu ninho. Quando a manhã chega, ele canta de forma tão entusiasmada que quase morre.</p><p>No Bestiário de Aberdeen, há uma comparação entre o rouxinol e uma mãe pobre: "a mãe pobre, mas modesta, com o braço arrastando a pedra de moinho, para que seus filhos não faltem <a href="https://www.megacurioso.com.br/estilo-de-vida/123980-como-o-pao-frances-virou-o-queridinho-dos-brasileiros.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">pão</a>, imita o rouxinol, aliviando a miséria de sua pobreza com uma canção noturna e, embora não consiga imitar a doçura do pássaro, ela o iguala em sua devoção ao dever."</p><h2>5. Coruja</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/09/25/25190830142012.jpg" alt="x"><figcaption>A coruja era conhecida como um animal sujo. (Fonte: Bestiary / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>A coruja é tida como um animal que prefere viver na escuridão. Moralmente, ela aparece nos bestiários como um pássaro sujo e preguiçoso que polui seu próprio ninho com seu esterco, e costumam ser associado com tumbas e cavernas.</p><p>Segundo o mito, as corujas gritam quando sabem que alguém está prestes a morrer. Em termos religiosos, elas representariam os judeus, que mostraram preferir as trevas à luz quando rejeitaram <a href="https://www.megacurioso.com.br/artes-cultura/como-foi-a-infancia-de-jesus" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Cristo</a>.</p><h2>6. Pégaso</h2><figure style="display:inline-block;position:relative;"><figure class="image"><img src="https://img.ibxk.com.br/2024/09/25/25191517730014.jpg" alt="x"><figcaption>O pégaso é um animal vindo da mitologia grega. (Fonte: Bestiary / Reprodução)</figcaption></figure></figure><p>Presente na mitologia grega, o pégaso é um cavalo com asas de água e chifres que teria nascido como filho de Poseidon e <a href="https://www.megacurioso.com.br/ciencia/126922-incrivel-mosaico-de-medusa-e-descoberto-em-casa-da-era-romana-na-espanha.htm" rel="noopener noreferrer" target="_blank">Medusa</a>. Em outra versão, é dito que ele nasceu do sangue de Medusa quando foi decapitada por Perseu.</p><p>Ao nascer, Zeus teria feito Pégaso trazer trovões e relâmpagos do Olimpo para a Terra. Mais tarde, ele teria sido recompensado pelo grande deus ao ser transformado na constelação de Pégaso.</p>

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